“如果你厌倦了伦敦，也就厌倦了生活。”英国作家Samuel Johnson的这句名言同样适用于时尚界。伦敦之于时尚界的地位，如同创意的永动机，过去的整整四十年中，它曾创造无数时尚史中的经典时刻，有时令人目瞪口呆，有时又让人热泪盈眶。

　　在最新一期的英国版VOGUE中，时装评论人Sarah Mower这样回忆道她与伦敦时装周的偶遇，恰巧是在1984年，那是这项活动首次以官方日程的形式举办，“当时，在肯辛顿高街的英联邦学院外搭起了一间帐篷，我听到里面的音乐声，从帐篷边的缺口溜了进去，看到Katharine Hamnett秀场里正在发生着骚动。”

　　当时Mower还是一名主修英文和艺术史的学生，她并不知道这次贸然的闯入意味着什么，而如今再回味起来，她也毫不掩饰地用“幸运”来形容自己年少时与时尚偶遇的巧合，“纯粹是运气，让我在那里见证了伦敦时装周腾飞的时刻。”

　　可以说，在之后四十年中，得以亲眼目睹伦敦时装周的每个人都是幸运的，在它的崛起背后，伴随着Vivienne Westwood、John Galliano与Alexander McQueen等天才设计师无可复制的创意灵感，在90年代掀起辐射至全球的时装设计浪潮，也由此夯实了时装教育之都的人才培育土壤，推动着Christopher Kane、Mary Katrantzou、Simone Rocha和JW Anderson等新兴的展露与生根，也包括新一代的Martine Rose、Grace Wales Bonner和Supriya Lele，都在成为独当一面的创意总监之路上迈进，他们把自己最青涩稚嫩却又最无畏果敢的创造力和野心呈现在了这片土地上，加之一波又一波的超模、造型师、妆发师的接连涌现，使伦敦时装周无论历经多少起伏跌宕，依旧保持着最原生的活力。

　　如Mower所言，伦敦既可以优雅，也可以前卫，但无论如何都会引发你的瞩目，调动你感官之下的思考力，它总能让你看到时尚的未来。在昨天结束的2024秋冬伦敦时装周亦是如此，从经典品牌到新锐面孔的接连亮相，有、有惊喜，皆汇聚成一股振奋的创意力量，让人开始期待伦敦时装周的下一个四十年。

　　作为英国时尚的象征之一，拥有上百年历史的Burberry在本季迎来了由Daniel Lee执掌的第三场时装发布会。“我觉得当下没有什么新鲜的事物能够表达我和我的感受，所以我就从自己的个人经历入手，开始书写这个系列。”Lee所谓的经历，是将视角回溯，最终落在了Burberry惠及众生的年代，“这一季的起始，是围绕着我想到的Burberry穿着者的角色开始的，从皇室成员到街头面孔，它总能打动每一个人，总能吸引新一代去发现和探索。”

　　为此，Lee呈现了他自上任以来最深藏不露的系列，既建立在品牌的经典档案之上，又改良了诸多可供仔细揣摩的细节。久违露面的英国超模Agyness Deyn为大秀开场，立刻将我们带回了她纵横时尚界的千禧年初，身着的一席橄榄绿色的修身风衣外套也为整场大秀奠定了沉稳内敛的基调。Lee收敛了前两季中高调饱和的色彩，转而以鼹鼠皮打造了一系列质感出众的廓形外套。与此同时，传统的服装制作工艺也在织物纹理上带来耳目一新的体验，看似印花般流畅顺滑的垂坠连衣裙，实际由蚕丝和羊毛交织拼接而成，户外防风外套装饰着粗犷的流苏围巾式内里，而光滑挺括的军装皮夹克之下，则出其不意地搭配了飘逸的格纹百褶裙。

　　毫不夸张地说，这是Lee上任以来最令人赏心悦目的系列，从造型本身的四两拨千斤，到一众英国老牌超模的重现，以及秀场中缭绕的Amy Winehouse的动人唱腔，都让我们相信当下即是Burberry最美好的年华，而为本次大秀闭场的新面孔Maya Wigram身为Phoebe Philo和画廊经理人Max Wigram的女儿，似乎也将Lee口中所描述的“新一代”具象化了，她们正在开启一个崭新的时代，也预示着Burberry即将驶向的未来。

　　如果说Burberry代表着英式时装美学的经典新生，那么JW Anderson则是集中反映英伦设计活力风貌的中流砥柱。设计师Jonathan Anderson善于把玩英伦文化中那些存在着隔阂与壁垒的元素，突破它、解构它，推动着人们在怪诞的美学中寻找时尚的新可能。在2024秋冬女装系列中，Anderson从一部描写英国老年群体的喜剧中汲取灵感，把长辈们身上看似“过时”的元素重新演绎了一番：英式的弹力针织内衣、粗棒针织毛衣与复古大衣以超越传统比例的形式施加在模特身上，“在我们这个时代，原本不酷的东西也可以突然变成最抢手的元素。”Anderson以最离经叛道的方式书写着时尚的相对论，却又正中年轻一代下怀看看最近Kate Bush登顶音乐榜榜首和Ariana Grande邀请Mariah Carey参与新歌混音等一系列流行文化界的新现象，便不难发现，过时与入时之间的区别并不在于其年份的长短，而在于我们如何去审视和解读它。

　　而从另一方面来说，Richard Quinn则体现着英国年轻设计师对于经典优雅美学的坚守与锤炼，最好的证明便是伊丽莎白二世在生前曾亲临他的发布会现场，而他也成为了英国女王伊丽莎白二世设计奖的首任得主。只不过凭借着繁复而醒目的印花技巧在时尚界崭露头角的Quinn，如今正尝试着向更高难度的制衣与工艺水准靠拢，在这个几乎能够称之为“半高定”水准的成衣系列中，Quinn毫不吝啬地用薄纱、亮片和羽毛打造出一件件声势浩大的礼服，经得起秀场前排高定客户们最挑剔的目光。但除了裙裾上的光鲜亮丽之外，Quinn本季也彰显了其负责任的一面，“我们所有的作品都在工作室内部进行剪裁，包括秀场中布置所用的面料也将进行回收处理，不会浪费任何东西。”这与他的经营理念形成了一种理想呼应，经过几年时间的探索，他已经积累起一批可观的忠实客群，他在每一件礼服上所倾注的心血也都不会白费。

　　从巴黎高定周载誉归来的Simone Rocha，决定是时候以这次的新系列，为此前一年的奔波与心血画上一个的句号。从名为“彩排”(The Dress Rehearsal)的2024春夏系列，到称之为“”（The Procession）巴黎客座高定系列，再到这次2024秋冬系列，Rocha将其定义为“守灵”（The Wake），作为三部曲的终章。在设置于圣巴塞洛缪教堂的秀场中，Rocha带来了一系列受维多利亚女王守丧服影响的造型设计。延续品牌在公主裙和内衣结构上的组合方式，Rocha在透明硬纱和深蓝色绸料上塑造出隽永浪漫的肌理，同时用人造皮草、夸张的亮片刺绣制造出冲突感，即便是悲凉凄美、略带暗黑哥特的主题，经由她的柔美滤镜后，也能呈现出一种典雅普世的美感，这便是Rocha设计的精妙之处，看似极易模仿，却终究难以被取代。

　　在筹备本季期间荣升母亲一角的Molly Goddard，也在悄然转换着她的设计力道，或许那些蓬松有型的纱质连衣裙，曾多多少少让我们忽略了她在基础款制衣上的才华，而本季则是她证明自己的好机会。抛开秀场中醒目的薄纱礼服裙，各种以针织面料和塔夫绸塑造的叠穿造型更值得细细推敲，紫红、品红、桃红与橙色构成了系列灿烂鲜活的基调，即便不需要即刻登上舞台，也能在日常生活中轻松驾驭正是Goddard口中自己年轻时会选择的款式。或许是因为女儿的降生，让Goddard更加偏爱从日常微妙细腻的美好中入手创作，而结果正如我们所见，真诚实在的幸福和温馨气息，就贯穿在服装一针一线之中。

　　相比之下，Erdem Moralioglu似乎在设计上怀揣着更大的“野心”。为了最大化地彰显对本季灵感缪斯、希腊女高音歌唱家Maria Callas的致敬，Moralioglu将秀场选址在了大英博物馆的帕特农神庙雕像之下。虽然此举在后续招致了众多希腊媒体机构的质疑，但从设计的层面而言，Moralioglu依旧保持了自身高超的水准。开场的夸张翻领歌剧大衣无疑是对Callas标志性造型的回溯，他形容其为“几乎是定义了50年代的流行偶像。”之后的各种印花伞裙、刺绣长大衣，均一一再现了那个时代的时装风情，同时贯彻Erdem永恒的浪漫诗意视角。在当下一众品牌选择收敛和保守的情况下，Erdem Moralioglu在柔美表象下所折射的，其实是更为无畏且不妥协的创意精神，任何时候我们都应该为这样的勇气和毅力喝彩。

　　而同样擅长以浪漫情怀书写内心思绪的设计师Bora Aksu，本季受到了犹太裔美籍艺术家Eva Hesse作品的启发。一生颠沛的Hesse将内心痛苦无奈的挣扎释放在艺术创作的世界中，大胆引入非传统的材料和象征手法，打造出一系列发人深省的装置作品。在Hesse创作精神的指引下，Aksu前往了她的出生地汉堡，并在威斯巴登博物馆参观了诸多她未曾展出的作品。在此基础上，化艺术的韧性为时装创作的动力，Aksu为个人风格中柔和的配色与丰富的肌理注入更多元的内涵和可读性，宽阔的斗篷造型呼应着Hesse乳胶雕塑中所惯用的流动结构，也满足了当下女性着装中对于轻盈呵护的需求；层叠的各色薄纱如同艺术作品中不断叠加而形成的错综肌理，呈现出迷幻的视觉效果，而手工打造的安哥拉马海毛裙中亦交织了闪亮的金属元素，也是对Hesse在材质组合上的致敬，总而言之，无论是Hesse的艺术拥趸还是Aksu的忠实客户，都能在这个系列中感受到独特的美学共鸣。

　　从文艺复兴开始，戏剧就成为英国文化中不可忽视的艺术传统。而在伦敦时装周的舞台上，设计师们更是将戏剧渊源与戏剧化的表达方式共治一炉，提升着时装发布会的观赏性。首先要提的便是设计师David Koma，他从德国舞蹈家Pina Bausch和西班牙编舞家Candela Capitn的风格中汲取灵感，并尝试着在设计中反映艺术家Rebecca Horn在雕塑中实现的空气感。其结果是，秀场变身为洋溢着表演氛围的舞台，一反以往将气势拉满的做法，Koma本季更着重于鲜明廓形感与流动的装饰元素的结合，随着模特的走动，裙摆和大衣衣角如同戏剧演员的演出服一般带起层层涟漪，恰到好处的节奏和韵律感扑面而来。

　　相比之下，Mark Fast则展开了一场反传统的戏剧幻想，他愿将之形容为 “超时空银河” （Galaxy Beyond），“我在想象，当摇滚明星从另一个星球坠落，来到地球时，他们会打扮成什么样子?” 没有过于夸张的硬核铠甲，也并非传统意义上对于未来世界的银色想象，Fast选择用品牌标志性的针织元素来勾勒心目中天外来客的非凡形象。当秀场中的模特们身着由针织面料打造的紧身衣和连衣裙，披挂着气场十足的外套与解构式夹克迎面走来时，映射出Fast内心无比实际的幻想他们或许与地球上的人类并无本质的差别，只是在关于穿衣这件事上，他们似乎领先了那么一小步，而我们完全可以追赶上他们的步伐，借由Fast以针织打造的作品，与更先锋的未来同生共息。

　　提及Roksanda，首先映入我们脑海的一定是那些廓形庞大，色彩饱满的曳地礼服裙。然而品牌最近一次被Zendaya所垂青的，却是一套勃艮第色束腰夹克套装，这款设计也成为了本季的开场造型，或许正从侧面反映着Roksanda Ilincic的创作野心。从Le Corbusier的建筑视角入手，Ilincic探索了在服装廓形与纹理上的更多可能性，原本在建筑中象征着绝对冷静和理性的线条，在时装的语境中却彰显出磅礴大气的华贵之美，这种奇妙的反差贯穿在Roksanda新季的每一处细节之中，既满足了钟情于Ilincic设计的都市女性们，为那些如Zendaya般的红毯斗士们提供了聚光灯下制胜的新选择。

　　而如果一定要从本季伦敦时装周中挑选一位最能代表新锐设计师们创意能量的面孔，想必Dilara Findikoglu是毫无争议的人选。继之前秀场中以餐具刀叉打造的女战士形象。